Arte

El oscuro significado de 5 pinturas de Van Gogh

Vincent Van Gogh es un artista marcado por su talento, técnica, paleta de colores y hasta su condición mental, la cual lo llevó a ser internado a un hospital psiquiátrico.

La condición mental  de Van Gogh precisamente es la que le ha granjeado fama, al grado que muchos han considerado que su obra se puede interpretar como un resultado directo de su locura, sin embargo, se trata de un gran mito que ha limitado la interpretación y análisis de su obra a un paraje en el que la explicación más válida es la relacionada a su psique y su condición.

Este tipo de análisis ha sido común en todo tipo de expresión artística, así como la recuperación del contexto social e histórico en el que cada obra se inscribe para poder dotarla de más sentido y poder “ver” más allá de los elementos que están sobre el lienzo, aunque esto no lo exime de críticas en particular cuando lo lleva a la sobreinterpretación.

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Estas pinturas esconden dentro de sí algunos secretos o situaciones de vida difíciles para Van Gogh:

Raíces de árbol, 1890

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Afamada por ser la última obra que Van Gogh estaba pintando cuando decidió quitarse la vida. En este cuadro, que quedó incompleto, se presenta una perspectiva inusual de las raíces de un árbol y muchos han intentado ver en ellas la desesperanza y el punto más álgido del dolor de la existencia humana. Otra interpretación es que haberlo dejado incompleto es una seña del destino que le deparaba a Van Gogh: el cuadro no sería terminado así como él cortaba de tajo su existencia mediante el suicidio.

Trigal con cuervos, 1890

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Esta obra, pintada meses antes del último cuadro de Van Gogh, fue considerada como la última además de un mal augurio de su muerte, pues la escena presenta un trigal mucho más sombrío que los acostumbrados, así como la parvada de cuervos, un animal que históricamente ha sido asociado con la oscuridad, el mal y hasta la muerte misma, pues también se creía que podía llevarse a las almas.

Wheatfield with a Reaper and Sun, 1889 

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Traducida como Campos de trigo con el segador en la salida del sol fue pintada por Van Gogh durante su estadía en el psiquiátrico. Forma parte de toda una serie de pinturas que muestran la vista que tenía desde el último piso del hospital. Van Gogh mismo escribiría en una carta que él veía al segador como una representación de la muerte misma y a la cosecha como símbolo humano. Es decir, el segador, así como la popular figura de la muerte con una hoz, cortaba la vida humana. En su carta él escribiría:

«Pero esta muerte no es triste, ocurre en un lugar con luz brillante con un sol que cubre todo con una luz como el oro puro».

El dormitorio en Arlés, 1888 

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Esta pintura se realizó durante su estadía en la ciudad francesa de Arlés y es una de las tantas obras que tienen copias casi iguales. Sería en tal lugar donde Van Gogh viviría con Paul Gauguin, otro gran pintor y amigo del impresionista que tanto por su amistad, arte y acontecimientos quedarían ligados en la historia del arte. En el caso de El dormitorio en Arlés comúnmente se interpreta como un cuadro cuyos trazos, así como la composición denotan gran ansiedad, a pesar de la apacibilidad del objeto que pintó.

La silla de Gauguin, 1888

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Pintada después de que Gauguin se mudara de Arlés a París, esta pintura viene acompañada de la Silla de Van Gogh, ambas muestran dos estilos de silla completamente distintos que se identifican con cada pintor, siendo la de Gauguin mucho más estilizada. En el asiento es posible observar una pila de libros así como una vela encendida que algunos interpretan como la esperanza de que Gauguin retornara alguna vez, así como de la sensación de abandono que Van Gogh experimentó cuando se quedó solo en Arlés. 

Algunas de estas interpretaciones pueden ser exactas, como la que está respaldada por la carta de Van Gogh, sin embargo, como el arte mismo, cada análisis e interpretación no es fijo y están sujetos a la perspectiva de cada uno de quienes observan el arte, sin importar cuán difundidas y aceptadas sean por el grueso de la crítica. 

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